Les 12 principes de l’animation : L’Art de Donner Vie à l’Imagination
Après avoir exploré l'écrasement et l'étirement ainsi que l'anticipation, nous abordons aujourd'hui un principe clé de l'animation : la mise en scène (Staging).
Ce concept définit la manière dont une action est présentée pour la rendre claire et compréhensible pour le spectateur.
Qu'est-ce que la mise en scène ?
La mise en scène consiste à organiser l'espace, la caméra, l'éclairage et le rythme de l'action pour diriger le regard du spectateur et maximiser l'impact visuel.
En animation, une bonne mise en scène garantit que l'action est lisible et compréhensible sans confusion.
Application dans notre animation
Dans la continuité de nos scènes précédentes, nous avons conservé le personnage qui lance une balle.
Voici les améliorations apportées pour illustrer ce principe :
1. Agrandissement de l'espace entre le personnage et la cible pour accentuer l'effet du lancer.
2. Ajout d'un zoom progressif : la caméra se rapproche du personnage lorsqu'il s'apprête à lancer, puis zoome sur la balle en la suivant.
3. Effet d'assombrissement autour de la balle pour concentrer l'attention du spectateur.
4. Ajout d'un décor en arrière-plan, simple mais efficace, pour donner une impression de profondeur.
5. Effet de vitesse visuel : motion blur et léger flou directionnel pour accentuer l'impression de mouvement rapide.
6. Dézoom à l'impact pour ramener le regard sur l'ensemble de la scène et renforcer l'effet dramatique.
Pourquoi ces choix ?
Ces techniques permettent de renforcer la lisibilité de l'action tout en la rendant plus immersive.
Chaque élément est pensé pour guider le regard du spectateur et créer une animation fluide et dynamique.
En appliquant ce principe, on apprend à mieux composer nos plans et à optimiser l'impact de nos animations.
Rendez-vous au prochain chapitre pour découvrir un nouvel aspect fondamental de l'animation, l'animation directe et pose-clé (Straight Ahead & Pose to Pose)
